Поделимся мыслями о жанрах , стилях,предпочтениях в современной музыке и не только.Вот к примеру кто нибудь сталкивался с таким звукозаписывающим лэйблом-Not Now Music?
С детства увлекаюсь музыкой. Большая коллекция - классики, хеви металла, нью эйджа и этно музыки.
Из лейблов, наверно любимые это Narada, SPV, High Octave, Decca...
мои предпочтения jazz/hard/blues/classic если говорить о лейблах ну наверное первый- vertigo ну куда же без Black Sabbath ,есть
аудиофильские диски с лейбла Clarity Rec япония с Philips отдыхает,качество выше некуда-аналоговые записи в 4 микрофона вот к примеру Mary Stallings Fine And Mellow
На днях прослушал посдедний Masterplan с Lande на вокале-отличный альбомчик!!!
Оззи, я к своему стыду не аудиофил, но при этом меломан -)
Из последних новинок очень понравился последний Джо Бонамасса, приколола хорошая попса - Аура Дион...
Ozzy пишет:
На днях прослушал посдедний Masterplan с Lande на вокале-отличный альбомчик!!!
Ланде вообще молодчина, особенно первые три альбома Мастерплана - просто блестящие!
Джо Бонамасса продолжает записывать альбомы с такой скоростью, что иногда кажется, что он живет аки самурай — одним мгновением, одним моментом. Поэтому старается успевать сделать все, что только может, в самые кратчайшие сроки. Так, в этом году гитарный маэстро выпустил пластинку Driving Towards The Daylight, которая согласно педивии является на 70% альбомом каверов на старых блюзовых музыкантов.
В общем-то, Джо не первый раз переосмысливает чужую музыку. Тем не менее, в данном случае за ним значится авторство аж в трех треках, в частности, речь идет о моей любимой композиции «Driving Towards The Daylight» (попса? Ну а я не эстет), которая исполнена весьма незатейливо, но звучит блестяще. Яркие мелодии переливаются одна в другую, создавая незабываемую дорожную атмосферу. На мой взгляд, это великолепная баллада.
Стоит отметить, что к созданию этого замечательного диска приложил руку гитарист моего любимого ансамбля AEROSMITH Бред Уитфорд, который отметился со своим инструментом практически на всех песнях. Также в деле был и его сын Харрисон, сыгравший партию на титульном треке «Driving Towards The Daylight», и много прочих гостей, которые в той или иной степени способствовали записи альбома, за что им можно выразить благодарность от лица человечества.
Можно сказать, что Джо является своего рода популяризатором старого блюза, благодаря тому, что он перерабатывает его в более привлекательную и годную форму, одухотворяя композиции своей непревзойденной игрой. Да, он, мягко говоря, застрял в прошлом, даже его гитара звучит с уклоном в меловой период. Что, собственно, даже неплохо, поскольку технические навыки позволяют Бонамассе играть четко, чисто и без ошибок, не скрываясь за кучей никому ненужных эффектов.
Сред песен, которые числятся за авторство Джо также стоит выделить «Heavenly Soul», которая наглядно демонстрирует некоторое расхождение в общей картине альбома. Это происходит в виду того, что Джо в своих песнях делает больше уклона именно в рок, нежели в блюз, коим пропитан диск. Это своего рода качели, где пытаются усидеть блюз и рок, приэтому кто-то из них все время пытается доменировать.
Оды про гитарное исполнение сегодня писать не буду, поскольку это должно быть известно всем по умолчанию, а если кому-то неизвестно, то самурайский меч в помощь (отрываем словарь на слове «сэппуку» и делаем то, что там написано). Однако хотел бы в этот раз отметить харизму Бонамассы, и его вокал. У него довольно своеобразная манера пения, а за счет тембра и некоторого набора фишек, он легко узнается. Поразительно то, что ему откровенно плевать на миллион октав и прочие сказки про «абсолютно клевый вокал», которыми нас с неутомимой жестокостью кормят вокалистки недоучки (да, мальчики почему-то таким не занимаются — парадокс).
В целом пластинка оставляет хорошее впечатление, композиции отлично проработаны, некоторые ритмические рисунки бодрят дух (например «Somewhere Trouble Don't Go»), а некоторые вызывают ряд других чувств и эмоций, присущих простым смертным. Взять хотя бы финальную песню «Too Much Ain't Enough Love», где Джо отдал микрофон Джимми Барнесу, выполненную в лирическом ключе. Однако фишка вовсе не в сопливом направлении, а в том, что композиция получилась достаточно крепкой, в основном, конечно, из за хриплого вокала, который довольно выразительно демонстрирует, что мы здесь плакать не собираемся... и подает материал таким образом, что бы не нагнать на слушателя грусть.
Говорят, если слушать много павера, то примерно через один месяц и одиннадцать дней превратишься в эльфа. Я всегда этого боялся и избегал всякой разной музыки с пометкой павер. Однако сегодня пришлось сделать исключение, так сказать вопреки страху. Каким-то невероятным образом на моем столе появился, источающий пафос, диск группы Gamma Ray, названный To The Metal, но я как представитель RR считаю это название несколько неверным.
Будь моя воля, то пластинку назвали бы Fucking epic power-elf-metalingus, но к сожалению такие авторитетные издания как RR никто не спрашивает. Поэтому имеем, что имеем.
Пока я слушал альбом, поймал себя на мысли, что мои уши не заострились и что гитарист рубящий соляки – не из мира людей. Он скорее какой-то орк, играющий так, словно ставит рекорд в суходрочке на гитаре. Большая часть извлекаемых нот – это амузыкакльное опорожнение. Поэтому я так удивился когда этот парень (ведь можно орков так называть?) начал играть мелодии, причем красивые такие мелодии.
Что касается риффов, то они сыграны человеческим созданием, с яркостью, харизмой и обильной ритмикой. Поэтому претензий нету. Гитарный звук в целом взрадовал меня, своей полноценностью.
По большему счету есть лишь одна композиция, которая удостоилась моего внимания трижды. Это «Mother Angel», прочие треки запомнились лишь отдельными деталями, если вообще запомнились.
Потому «Mother Angel» в своем роде уникальная вещь на альбоме. Кажется, я даже слышал в ней женский бек вокал (кажется – это правильное слово, поскольку на беках мог петь и сильно женственный гей, эльфы они такие) в припевной части. Композиция обладает несколькими вкусными мелодиями, которые излучают приятную такую энергетику. Другими словами, здесь есть на что обратить внимание.
Но как я уже говорил, более нихера не запомнилось, поэтому и говорить больше не о чем, отсюда вывод: Я глухой мудак Слушать альбом можно, но только под присмотром врача, желательно человеческого врача.
Наконец-то это свершилось. Нет не то, что Black Label Society выпустили новый альбом Order of the Black, а тот факт, что я их наконец-то послушал. Уже несколько лет все никак не доберусь до сольных порывов Закка Уайлда (Вайлда если хотите, на педивикии так до сих пор не определились, как будет правильнее на современный манер или на быдлосоветский), по разным причинам. Но это все таки случилось и пусть даже с последнего альбома. Вообще Закка я впервые приметил по ахуительно-восхитительной «Farewell ballad», она оказалось настолько неибической, что раньше была моим будильником, а теперь стоит на прием смс.
Но все это неважно, приступим к писанию про последний релиз Black Label Society. Пластинка в основном воспринимается как дом без одной стены и потолка. Получается вроде и дом, а вроде и нет, поскольку целостности не хватает, впрочем как и остальных важных деталей, которые создают эту целостность.
Ну теперь следует пояснить причем здесь вообще дом.. Рок-песни, а точнее метал-песни (все таки звук у группы плотно-металический) представляют из себя вот такие домики-недодомики, ввиду не хватки материала. Чаще всего проблем с техникой и звучанием нет. Музыка энергична и достаточно мощна, не говоря уже о ритмики. Однако вопреки офигителбному таланту-гитарному Закк не обладает таким же вокальным даром, поэтому большинство метал-треков бедны в этой составляющей, Закк редко выдает годную мелодию, поэтому в основном приходится слушать музыку.
Впрочем, прослушивание гитар не такое плохое занятие, когда играет виртуоз, в частности порадовали многие соляки. Единственно, что осталось загадкой, так это то, зачем Уайлд пользовал прием аля Ронетке, то есть циклить мелодию (так еще в пост-роке делают, только не там где должно быть соло, ведь соло в пост-роке нонсенс, а на всю песню растягивают зацикленные три ноты). Правда в итоге Закк все сливал в славный мелодический поток, который подобно водопаду накрывал слушателя и разрывал порочный цикл. Поэтому рано грустить.
Поговорили о плохом, теперь нужно вставить пару слов о хорошем. Так вот лучшее, что есть на альбоме – это баллады плюс обалденный акустический инструментал. Лиричные песни сами по себе более запоминающиеся, но кроме того Закк наконец-то поет не статично, да еще и выдрачивает потрясающие мелодии. Помимо этого есть один парадокс, в одной из баллад нету гитарного соло, что вобщем-то шокирует, учитывая пристрастия Уайлда, тем не менее трек прекрасен. В итоге альбом своей сопливой частью поднял общую художественную ценность.
Ингви Мальмстин — известный работник пилой в Швеции. Выпилить может все! От кухонной мебели, до декоративного украшения, инкрустированного бриллиантами в мильен карат. Причем огранкой алмазов Ингви занимается сам, в этом ему помогает пила с именем Фендер Стратокастер. Но это все неважно. Наибольший интерес сейчас представляет новое изделие маэстро, именуемое среди лесничих Relentless. Юнгви, как и многие, клятвенно обещал превзойти себя и скорость света. Получилось ли.. скоро узнаем.
Итак, работник пилой Ингви начал пилить сразу же. Справа, слева, везде. Звуки пилы стали слышны в радиусе 100.000 километров, так что бежать было некуда. Дескать, смирись или умри. Пришлось смириться и попытаться понять это гонялово. И ведь порой получалось. Высокоскоростное пиление — это не так страшно, когда оно музыкально или варьируется с медленными мелодическими посылами, которые в большинстве случаев получались у Ингви великолепными. Нет, ну правда они великолепны, даже восхитительны, чарующие, легкие, приятные, обвораживающие. Контраст действительно впечатляет.
Не смотря на то, что Ингви пилит совсем не в одиночестве и у него есть помощник вокалист, упор, тем не менее, делается на пиле маэстро, а о прочих людях с трудом вспоминаешь. Иной раз думается, что Relentless — это исключительно инструментальная вещь, но одумываясь, понимаешь, что нет, ведь бывали там и отличные от пилы инструменты, да и вокал временами неплохо давал о себе знать. Однако приоритеты очевидны. Но может быть хоть разок следовало отложить не надолго пилу?
Так или иначе мастер по вырубки леса продолжал демонстрировать все изыски техники, особенно памятны его одинокие запилы. Создавалось такое ощущение, словно человек делает работу, которая никому не нужна, да даже ему самому. Ну представьте: стоит Ингви с пилой в лесу, а в округе за тысячи километров ни единой души. И принимается он пилить дерево, причем пилит ради процесса пиления, а не скажем на дрова или на мебель.
И такое одинокое пиление вызывает сочувствие, грусть и невероятную пустоту в сердце. Может оно так и задумывалось, кто знает.
Эрик Клэптон – известный белый блюзмен (этот вид блюзменов занесен в красную книгу, они очень редкие и встречаются только в заповедниках), игравший иногда для Битлз гитарные партии, которые они не могли осилить в силу разных причин. Вообще Клэптон с кем только не играл, кому-то это даже не нравилось. Ну а чего плохого в том, что человек востребован? Тем более, что он еще чертовски талантлив (Нет, ну вы слышали «Wonderful Tonight»? А концертный вариант с оркестром и шлюхами? Это же восхитительно!), грех такого не пригласить. Хотя в современном мире представления поменялись и теперь приглашают не талантливых, а Лэйси Мосли и всем плевать. Грустно.
Но помимо сотрудничеств со всеми музыкантами в мире Клэптон обильно занимался сольной карьерой и недавно выпустил очередной альбом, названный в честь самого себя Clapton, а может в честь какого-нибудь из своих родственников, но это не имеет особого значения, нам ведь содержание нужно, а не косвенные причины восхищения (мощно сказано неправда ли? Главное фиг поймешь идею умственно отсталого автора).
Поскольку блюз музыка старая и ее делают старые люди, для старых людей, то по обыкновению она весьма консервативна, за счет чего блюз с легкостью погружает человека во времена его пика, вроде 30-х годов 20-го века или какое другое десятилетие, пока блюз котировался. И хотя Клэптон блюзмен с роковым отливом, но все таки он блюзмен и его новый альбом так же способен охватить человека своей атмосферой середины прошлого века.
Образы перед глазами меняются вместе с музыкой, их сопровождающей, но время остается тоже. Блюз-рок Клэптона часто спокоен, умиротворяющ, порой прибавляет в динамике и энергичности (это конечно не становится прыщавым хардкором), при этом не насилуя красивые мелодии. Когда Клэптон играет на чистом звуке, то его гитара звучит великолепно и очень узнаваемо. Это такой кристальный звук, теплый, манящий и бесконечно привлекательный. Но когда звук становится несколько подруженным (а такое бывает не очень часто), то свое обаяние он пожалуй теряет.
Пластинка идет не спеша, ровно, плавно. Можно подумать с таким данными ей только тоску нагонять, да унылость, но если слушать внимательно, то этого не произойдет, ведь на альбоме много отличных партий, не только гитар, но и та же губная гармошка или духовые, исполнившие восхитительные соло партии, будоражащие сознания. Все это красиво и имеет очень хорошее успокаивающее действие.
Наверно Ричи Блэкмор больше не будет играть правильную рок-музыку, которую мы сильно любим, от чего фанаты эпохи возрождения и прочие поклонники групп с женским вокалом (причем пофигу что это за группа, главное, чтоб женщина визжала на вокале) могут радоваться. И так, восьмой студийный альбом коллектива Blackmore's Night был назван Autumn Sky, что переводится как «осеннее небо», обложка намекает на тоже, поэтому тайный смысл искать не нужно. Хотя это разве остановит любителей провертеть запись наоборот и услышать там призыв к сотоне?
В списке инструментов используемых на пластинки, я обнаружил много таких страшных названий, о которых никогда прежде не слышал и на некоторых из них играет Блэкмор. Но оказалось это одни из тех музыкальных инструментов, которые на слуху у человеческих масс, но просто большинство не в курсе как это дело называется.
В данном альбоме бесконечно радует его естественность, свобода, легкость (это не про дисторшен, овердрайв и прочую фигню, помогающую юным диванщикам делать суровый метал), атмосферность, позитивность. Но при всем при этом на диске встречаются интересные инструментальные партии, то есть простота восприятия достигнута не за счет процесса примитивизации, коим пользуются все кому не лень, но не Блэкмор.
Возможно, мне показалось (и нет, в этом случае креститься не надо), но Ричи немного проявил свой рок-н-рольный дух в нескольких пассажах, но он чисто как тюремщик (этот дух), его выпускают погулять немного, но потом опять запирают и не кормят. Вообще пока слушаешь Блэкмора, понимаешь насколько он узнаваемый, насколько заметен его характер в игре, технике, музыке.
Мне очень понравились акустические переборы (или арпеджио, так ведь круче? А то быдло язык не всякий интеллектуал поймет). Они такие восхитительные, вроде воспринимаются сложно и в тоже время понятны и доступны. Так же Autumn Sky демонстрирует одну редкую вещь в рок-музыке – это соло на басу. Дикость верно? Но звучит неплохо.
Я еще вчера хотел написать про данный альбом, но в нем столько песен (15, мое примечание), что для меня было сложно его осилить без подготовки. По времени пластинка длится около часа, за это время помимо треков с завываниями Кэндис Найт (или может быть «Йоко Оно»?) перед слушателем проносятся разного толка инструменталы, некоторые с приставкой «Dance». И есть еще одна песня, которая по духу напоминает эпичные треки группы Aqua (не знаю правильно ли написал, но там еще клип про Барби), жаль название не упомнил, а второй раз слушать желания нет.
Не смотря на множество хвалебных слов в адрес Ричи, эта его «новая» музыка к концу 15-ой песни нехило так надоедает, примерно на 10-ой понимаешь «Спасибо усвоил, хорошо, добротно, временами интересно», но дальше прослушивание начинается в режиме «Осталось еще немного». И наконец, веруем, что Блэкмор одумается и начнет играть рок-н-ролл.
Рецензия на альбом рок группы EUROPE — Bag Of Bones (2012).диске
Наверно не имеет смысла как-то по-особому представлять рок-ансамбль EUROPE, и рассказывать о его продолжительной музыкальной истории, поскольку группа знаменита и известна среди разных слоев человечества (от нищих до богатых). Причем о легендарной шведской команде известно не только любителям рока, но и фанбоям и фангерлам многих других жанров, в основном, конечно, из-за хита «The Final Countdown», который слышали чуть менее чем все. Но сегодня речь пойдет не о старом материала, а о том, что коллектив приготовил на этот год — новый альбом Bag Of Bones.
Особо конкретизировать не буду. Звук гитар с акцентом на середину на нашем музыкальном полотне не страдает от излишка перегруза. Вообще, стоит отметить, что Джон Норум давно симпатизирует блюзу и блюз-року, это видно как на его сольных произведениях, так и здесь. Тем не менее, в целом звучание достаточно честное, в том смысле, что коллектив не пытается скрыться за кучей эффектов и прочего модного барахла. Плюс ко всему, команда пользует теплый ламповый звук, что восхищает всю нашу редакцию. Единственное чего не хватает, так это четкости, поскольку рифы получаются несколько замыленно, тоже касается соляков, особенно когда в них играется какой-либо скоростной пассаж.
Что характерно, титульная песня «Bag Of Bones» не является самой яркой на диске, хоть в ней и есть несколько примечательных мелодий, однако же, к примеру, композиция «Not Supposed To Sing The Blues» в этом плане более состоятельная и блистательная, поскольку имеет больше шансов отложиться в памяти. Также следует упомянуть про «Requiem» — инструменталку, которая проскакивает незаметно и переливается в не самую примечательную песню, а также про финальную миловидную композицию «Bring It All Home». Она в отличии от всего прочего призвана сделать из черного серое, но, к сожалению, трудно за счет пары блесток кардинально изменить цвет.
Возможно, это прозвучит очень пафосно и так, словно мы живем в стране эльфов и гномов-шахтеров, однако этому диску не хватает обыкновенной страсти. Иной раз для того, чтобы мелодия произвела большее впечатление ее нужно как следует подать, чтобы слушатель, если он, к примеру, занят чем-то, мог бросить свои дела ради того, чтобы насладиться музыкой. Однако в случае с Bag Of Bones происходит все несколько иначе, музыка может приятно звучать как фон и эпизодически радовать своего слушателя, но, пожалуй, это все.
Не говоря уже о том, что пластинка стремительно исчезает из виду, поскольку ее продолжительность довольно мала (всего 40 минут). Впрочем, в этом есть плюс, если вам не очень понравился весь этот поток звука, то мучиться не будете. Как бы я ни любил EUROPE, однако этот диск производит неоднозначное впечатление.
Рецензия на альбом рок группы UFO — Seven Deadly (2012).
Хард-рокеры UFO на сцене уже много десятков лет. Группа множество раз распадалась, варьировала состав, но всегда возвращалась с новой музыкой. За последние годы команда успела записать несколько альбомов, последним из них стал Seven Deadly, выпущенный аж в этом году. На диске имеется 10 хард-роковых треков (с бонусами «Other Means Wives» и «Bag O'Blues» получается 12) общей продолжительностью 46 минут. В тоже время, коллектив местами на пластинке демонстрирует некоторую металичность, например, в песне «Wonderland» и еще в ряде других, но по большей части это хард-рок, причем довольно умиротворяющий. Сочетание трагическое, надо сказать.
В Seven Deadly UFO звучат так, словно они ушли на покой, бросили пить, курить, колоться и растеряли весь свой задор и былое очарование. Можно провести хорошую параллель (не сочтите за сравнение): в 70-е годы команда играла с меньшим количеством гейна (проще говоря дж-дж), но у них было больше энергии в каждой ноте, больше пьяного угара. Был, в конечном счете, и Мишаня Шенкер, который бодро резал на гитаре. Но я не к тому, что раньше было лучше.
Рокеры UFO, к сожалению, уподобились воздушному шарику, со временем начали спускаться. Знаете, когда хард-рок начинает звучать смиренно и местами достаточно вяло, вопреки своим постулатам и мантрам, то это нехороший диагноз и сигнал. В результате слушатель получает не совсем то, что хочет. Это как, если купить пепси, а в банке окажется спрайт. Нефиговая такая неожиданность, верно? Хорошо если любишь и то, и другое.
Тем не менее, не смотря на умиротворяющий тон, который так изящно задает пластинка, в некоторых эпизодах проскакивает что-то такое, что заставляет отвлечься от местного потока звука, который подобно зыбучему песку засасывает слушателя, паразитируя на его настроении. Так, в композиции «Burn Your House Down» на 3-ей минуте гитарист Винни Мур включил режим «я крутой такой музыкант» и выдал великолепный соляк, даже можно сказать спасительный. При этом он сыграл партию с особым чувством и яркостью, что помогло мне выйти из музыкального анабиоза. Самое любопытное, что здесь не было предпосылок для какой-либо формы эрекции. Сперва Мур нагружает вполне себе незатейливо, что-то себе под нос, но потом прибавляет немного гейна и просто дискредитирует все то, что он делал до этого на альбоме, поскольку в этот раз его ноты достигают конечной цели.
К сожалению, обзор не получился большим, а этого очень хотелось, но диск просто не позволил фантазии излить водопад слов.
Элис Купер довольно видный глэм-рокер и любой музыкальной продукции от него ждут миллионы людей. И вот он выпустил сиквел своего дебютно-сольного творения Welcome 2 My Nightmare, с 14 песнями на борту. На самом деле, всем должно быть понятно, что это чисто маркетинговая уловка. Но практика показала другое, некоторые поклонники даже преждевременно начали срать вялыми арбузами о том, что оригинал лучше и бла бла бла и прочее занимательное чтиво, которое так занимательно, что читать стало страшно. Уж слишком фантастические романы извергались людьми. Хотя само собой, мнения «людей музыки» всегда занимательны и объективны (да, они боги, все люди субъективны, а вот они избранные).
Надо сказать, у меня есть только один альбом Купера, называется он Lace And Whiskey 1977 года выпуска, и это отличный альбом. В остальном дискографию его не изучал и про культуру Британии не слышал ничего. Поэтому объективным быть не смогу. Простите. Тем не менее, новый диск Элиса Купера стартует очень сентиментально и грустно, балладой «I Am Made Of You». Обычно подобный грустняк пихают в конец альбома, но Элис поступил по-своему. Честно говоря, отличная песня с яркими, воодушевляющими мелодиями и выразительным гитарным соло в конце. Партия фортепьяно хоть и наигрывает незатейливые нотки, но выдает задушевную гармонию. Таким образом, начало получилось мощное с точки зрения мелодического восприятия, а не по количеству гейна в гитарах.
Ну, а затем «Второй Кошмар» показал свою хард-роковую сторону с типичными вокальными надрывами Купера, что безмерно радует, поскольку слушать мэтра, поющего исключительно чисто, как-то странно и непривычно. Но бодрый хард-рок всегда спасителен. Так «The Congregation» — хорошая боевая песня, с мягким припевом, ритмичная как весь правильный хард-рок. С болтовней Купера на фоне партии баса в концовочке. Получилось очень миленько, особливо касательно хорового «Хэй».
Диск довольно разнообразен по настроению, звучанию и стилевому наполнению. На пластинке пересекаются разные жанры, например в «Кошмар» вклинилась рок-н-рольная вещь «I'll Bite Your Face Off», уровень перегруза у гитар здесь снижен (для современных музыкантов это даже неприличный уровень эффекта). Есть и веселые песни вроде «Ghouls Gone Wild». Такая легкомысленная и жизнерадостная, а есть и агрессивные с низким звуком, к примеру, «When Hell Comes Home». Как небо и земля. Иной раз именно за счет контраста компенсируется блеклость некоторых мелодий на диске.
По сути ровная пластинка, более или менее. Звезд с неба особо не хватает, но вот заключительный инструментал неплохо развлекает своими внутренними переменами, когда мелодия меняется и вместе с ней меняется весь настрой трека, от грустного к веселому, потом к легкому сентиментальному, а затем немножко агрессии. Отличная игра с контрастами. А в конце шикарное соло, душепробирающее, хоть и звучит недолго. Если вообще в инструменталах слово «соло» уместно. Отличный трек, стал завершением неплохого альбома легендарного музыканта.
Пока я прибывал в своем рок-анабиозе 70-80-х годов. На сцену начали выползать всякие странные люди (их называют талантами), становясь звездами ютьба и различных чартов (измеритель продаж). Одной из таких звездочек стала некая Адель Эдкинс (ничем не примечательная внешне не привлекательная особа, страдающая от лишнего веса), в простонародье просто Адель. До вчерашнего дня я о ней не имел представления и возможно узнал бы о ее божественном таланте только после смерти, но судьба распорядилась иным образом. Итак, Адель в этом году выпустила пластинку 21 (да, это название, и да, это 😈 название), которая покорила уже все чарты во всех странах. В общем публике понравилось.
Стоит отметить, что в записи участвовало очень много людей, вероятно больше 50 человек! Поразительно, учитывая незатейливость музыки (не считая некоторые эпизоды). Впрочем возможно каждую ноту для пластинки записывал отдельный музыкант, для того что бы придать особенности диску. Это было бы логичное объяснение, если бы имело отношение к реальности, на деле же не совсем ясно на кой черт отрывать от дел так много людей.
На первый взгляд 21 вызывает непонятные чувства. Позднее приходт осознание, что коммерческий успех — это странная штука, сегодня стреляет Моцарт, а завтра палка. А после завтра рота палок, а потом и вовсе ничего кроме палок не остается. Вот такой казус.
Поскольку Адель — исполнительница голосом, то следует побольше внимания уделить ее вокальным способностям. Исполнительница обладает уникальным раздражительно-губительный тембром голоса. Для меня это пытка, несравнимая даже с «иголками под ногтями». В связи с этим становится ясно она Грэмми получила, поскольку там любят подобные негройдные запевы. Тем не менее, по моему скромном, но 😈 -объективному мнению, я считаю, что вокал Адель портит всю ее музыку, этот тембр вызывает появление морщин на лице. Убрать этот сногсшибательный вой из «Dont You Remember» и получится миленькая баллада, например. Можно поговорить о том, сколько она своим оралом (область на лице между носом и подбородком) охватывает октав, вероятно, много. Это должно утешать миллиард поклонников, просто потому, что ничем другим Адель не примечательна.
От пения в композиции «Set Fire To The Rain» у меня начали выпадать волосы. Это отвратительно, господа. Пытка неприятными звуками. К сожалению, тембр это не то, что легко изменить. Тем временем хрипы, демонстрируемые звездой 21-го века, вводят меня в печаль и уныние. Зато когда Адель воет сплошняком, становясь аккомпанементом, без всякой игры голосом, то звучит это более чем терпимо (может ей заделаться виолончелью, например). Но в обычной жизни это перфоратор, жестоко вонзенный в ухо. Голова разрывается от каждой ноты, когда исполнительница начинает показывать свои технические навыки. Словно плоская модель начинает оголять грудь. Смотреть не на что.
Честно говоря, я считаю, что Стив Вай более талантливый вокалист, притом, что он по специальности инструменталист и запел по непонятным причинам. Но дело в том, что Вай не приносит вред головному мозгу, а Адель словно проводит лоботомию. Видимо я слишком долго прибывал в музыкальном анабиозе. Проснувшись, понял, что все кругом сошли с ума со своими Гагами, Биберами и Аделями. «Мир сдвинулся с места». Говорят жить прошлым — плохо, но если Адель — это настоящее (и судя по ее возрасту будущее), то у меня просто нет выбора. Извините, но я не могу больше это слушать. Спасибо за понимание.
Итак, руки вездесущего рок-портала RR добрались до новой сольной работы Роджера Гловера, басиста легендарных DEEP PURPLE, причем легендарных взаправду, а не как те, кто получает много Грэмми. Пластинка называется If Life Was Easy и имеет весьма трогательную обложку. Тем не менее, перейдем ближе к сути. У любого басиста в сольнике обычно имеется обилие баса, или, во всяком случае, на низких нотах сделан фокус. Частично Гловер придерживается такой традиции, хотя помимо этого в его музыки имеется многообразие других инструментов. С точки зрения количества получается красочно (радужно, если хотите), когда играются гитарные соло, а на их смену приходят сольные партии саксофона, как, например, в песне «Don't Look Now».
Разумеется, ритм-партия на пластинке находится в полном порядке, не зря же Гловер полвека нагонял пульс в музыку именитого ансамбля. Кроме того, она так же обогащена всякого толка барабанами, как у тех диких африканских племен.
По большему счету музыка у Роджера получается интересная. Альбом, к радости, имеет в своем боезапасе аж 16 полноценных композиций, длящихся около часа (54 минуты). Причем все это дело звучит весьма и весьма разношерстно. Более того, на пластинке обещано было использовать много гостей, в том числе и дочку Гловера, она должна была исполнить партию вокала в паре песен. И ведь исполнила. В песне «Moonlight», которая собой представляет эдакую балладу прошлого, в которой слилось несколько стилей, ныне мало популярных среди подрастающего поколения.
Композиция «Boy Of Tricks» звучит несколько странно, особенно по части гитарной, поскольку она откровенно говоря издает пердящие звуки, при высекании «риффов». Хотя в тот момент, когда начинается сольные вкрапления, общая ситуация несколько меняется, к лучшему разумеется. И трек расцветает и блещет красками. Тем временем время подводит к прослушиванию трека «Stand Together» — это просто хорошая песня, в которой Оз Ной отлично чешет на гитаре. Он, к слову, израильский джазовый гитарист, а не родственник мифологического Ноя, описанного в Ветхом Завете.
Трек «Welcome To The Moon» удостоился внимания просто потому, что все партии здесь исполнил сам Роджер Гловер. Композиция имеет приятное звучание. На самом деле, следует отметить, что местами (эпизодически, если угодно) этот диск напоминает творчество Боба Дилана. В том числе и данная песня. Понятно конечно, что Дилан оказал влияние на весь мир музыки, тем не менее, занимательная особенность.
Я, конечно же, не буду перечислять все песни подряд, но «Set Your Imagination Free» все таки отметить нужно, хотя бы потому, что написана она была Гловером вместе со своей дочкой, в отличии от выше названной («Moonlight»), к авторству которой Джиллиан не имела отношения. Мне почему-то думается, что дочка Гловера напорядок талантливее, чем ушедшая от человеческой расы Эми Уайнхаус. Однако первая не обременена популярностью. У нее даже странички в английской википедии нету. Поэтому я не понимаю, что нынче ценят. Количество краски на лице? И вызывающие поступки или музыку? Вопрос риторический.
А вот когда начинает звучать «Get Away (Can't Let You)» в голове возникает некоторый восторг, поскольку это еще одна песня тандема папы с дочкой. Но дело не только в этом, начинается трек с торжествующей валторны под клавишной аранжировкой, получилась великолепная песня с джазовыми оттенками. Ну и Джиллиан отлично поддерживает настроение композиции. Думается, что Гловеру надо бы почаще записываться со своей дочкой.
GEORGE THOROGOOD AND THE DESTROYERS — 2120 South Michigan Ave.
Не имеет смысла рассказывать кто такой Джордж Торогуд, хотя многим известна больше его музыка, чем имя. Так или иначе, знаменитый блюз-роковый гитарист вместе со своей командой THE DESTROYERS сочинил новый альбом 2120 South Michigan Ave и начинается пластинка с песни «Going Back», с неплохого хард-рока, самого настоящего с блюзовыми корешками и с заводным гитарным риффом. Причем удивительно как Торогуд играет пальцами все эти партии, в отличие от множества медиаторных рокеров. А главное звук у него получается довольно читаемый, нотки легко разбираются.
Конечно, по большей части на диске звучит блюз-рок. Особенно блюзовостью тянет от трека «Hi-Heel Sneakers», сыгранного с великим Бадди Гаем. Но дело не ограничивается только этим, здесь есть и немного рок-н-ролла, в таких песнях как «Seventh Son», «Let It Rock» и «Mama Talk To Your Daughter». Все эти треки очень сильно бодряд. Как и подобает настоящей рок-н-рольной музыке. Никаких инноваций, модернизаций, прогрессивности, просто прямой поток энергии. Еще духом рок-н-ролла обладает композиция «Chicago Bound». Веселая такая песня. С четким ритмом и пульсацией и клавишным рок-н-рольным соло.
В целом исполнение хорошее, Джордж играет без всяких попыток идеализировать свою технику. Поэтому звучит он живо, по старому, по рок-н-рольному. Вообще Торогуд узнаваемый мужик, по своей манере игры и пения, которую все помнят по песне «Bad to the Bone», ибо трудно найти человека, не слышавшего ее. Просто многие не в курсе кто ее написал, о чем и шла речь в первом абзаце.
Тем временем «Bo Diddley» вносит свою коррективу. Песня базируется на ровном ритме. Солирует исключительно голос, остальные инструменты умело отбивают четкую партию, увязанную в цикл. В заключении диск дарит слушателю инструментал «2120 South Michigan Ave», имеющий общее название с альбомом. Получились своего рода проводы под звуки выразительной губной гармошки и четкого баса. Хороший трек. Хороший альбом.
BLACK LABEL SOCIETY — The Song Remains Not The Same.
Закк Уайлд (совсем не родственник известной в узких кругах Оливии) так скоро выпустил новый альбом в рамках проекта BLACK LABEL SOCIETY, что я даже не понял, что же собственно произошло. В настоящее время принято писать альбомы по 3-4 года, потом кататься в турне года два и годик отдыхать, вот такой жизненный цикл у клевых современных групп, если бы еще время, потраченное на альбомы было израсходовано с толком. В любом случае Закку понадобился год, что бы состряпать The Song Remains Not The Same. Пластинка получилась сопливой, умиротворяющей, а в самом начале даже проигрывается довольно памятная ритмичная партия.
Я наверно об этом уже говорил, но голос Закка своим тембром напоминает Оззи, но скажем у него меньшей этой металической бензопильности. Тем не менее, звучит по-мужицки, в отличие от брутальных попыток современных поцанчиков рвать пищевод. Хоть альбом и подается как акустический (клавиши + акустические гитары + струнные), в нем есть соляки, играемые с порцией перегруза в классическом закковском стиле, узнаваемом и экспрессивном.
Слушается диск спокойно, сухо и непринужденно. Создается иллюзия, что все это некая ода, посвященная старому рокеру, который вот-вот собирается отбросить копыта и уйти на покой. И как кстати звучат слова «Rain, rain, rain» в обворожительной песне «Darkest Days» под звуки переборчика. Отличная композиция с интересными сольными партиями акустической гитары под конец, это восхитительно. К слову, на диске две версии этой песни, разница лишь в длительности на одну секунду, а также в треке появляется голос кантри певца Джона Рича. Закку возможно западо было писать песни.
Вероятно, если очень хочется, и вас тянет с необычайной жестокость прослезиться на любую тему, то пластинка подойдет как нельзя кстати. Она грустная, печальная, с эпизодической яркостью, Закк все же не был очень уж сильно удручен. Даже записал песню кавайную, под названием «The First Noel», имеющую комплекс миловидных мелодий, Уайлд здесь представляется белым и пушистым. Хотя это, конечно, кавер на классическую английскую композицию, историей уходящую в 18-ый век (а может дальше). Звучит прекрасно, выделяется на общем альбомном фоне и завершает пластинку на светлой ноте.
Пока кто-то изобретает новые стили, придумывает им даже шокирующие названия, о которых все забывают через минут 5, металлисты с искаженным названием DEZPERADOZ просто взяли да и начали играть метал перемешанный с темами вестернов 50-х годов.
Результатом деятельности немецких ковбоев стал своего рода метал на диком западе. Это не изобретение духовной музыки или чего-то подобного, однако сама идея (концепция) представляется интересной для слушателя. Недавно музыканты представили на суд человеческий новый альбом Dead Man's Hand, в котором также не стали отступать от своих канонов. В связи с этим пластинка стартует с интро-композиции «Deadwood», в которой звучит музыка, отсылающая слушателя куда-то в солнечный Техас к ковбоям.
Если бы я был писателем и знал, что такое аллегория, то использовал бы ее следующим образом, представив музыку с пластинки Dead Man's Hand в виде такой картины: Дикий запад, кругом видавшие виды дома, сапоги на шпорах, лошадки, револьверы и так далее. Ну и как же без перестрелок? Но представьте, что в одной из перестрелок участвует Терминатор с пулеметом Minigun M-134. Вот примерно так выглядит музыка DEZPERADOZ. Она совмещает в себе темы спагетти-вестернов, на которые рушится грозный тяжелый метал.
Стоит отметить, что DEZPERADOZ реализация идеи симбиоза получилась достаточно удачно. Они много времени уделяют своей вестерн-стороне (как известно в смесях часто бывает, что музыканты сводят к минимуму свою «фишку», но здесь иначе). И это при том, что они немцы. Скажем, для американцев подобная идея была бы более близкой. Здесь же выходит немцы режут тяжелыми риффами ковбойские темы. Да так, что 😈 .
Когда слушаешь что-то вроде «Just Like Cowboyzz Do», обращаешь внимание на мелочи — например свист или партию на губной гармошке, которые придают особый изыск композиции, исполненной в металическом ключе с отличным роковым вокалом и бодрящим припевом. Вообще следует сказать, что все эти мелкие детали (в частности выше отмеченный свист) очень важны для создания концепции пластинки.
Особенно приятным местный салат будет для тех, кто испытывает горячую симпатию к старым вестернам, например с Клинтом Иствудом («ХОРОШИЙ, ПЛОХОЙ, ЗЛОЙ» и так далее, если не смотрели, то сэппуку вы уже сделали, надо полагать). Музыканты, к слову, питают любовь к творчеству великого Эннио Морриконе (выдающийся композитор, создавший самую известную в мире тему дикого запада).
В тоже время в альбоме есть юмор, словном смотришь какое-то кино. Так, в концовке трека «My Ol' Rebel Heart» приведен прекрасный диалог, с использованием забугорного мата. Следом за этой песней идет адок под названием «Saloon No. 10» ,начинающийся с совсем олдскульной мелодии, которая приукрашена всякими шумами (чтобы изобразить древность, и надо сказать получилось), но в итоге она превращается в бодрый метал, который напоминает местами известный ансамбль METALLICA. Позднее я пришел к мнению, что это великолепная композиция, вбирающая в себя все, что только можно.
Кроме прочего, музыканты бывает вспоминают, что могут даже трэш 😈 тихонько, что приятно разбавляет обстановочку. Или, например, сыграть слезливую балладу «Train Of Souls» с душевной мелодией и звуками прекрасных поездов. На мой взгляд Dead Man's Hand — хорошая, выдержанная работа, которая привносит в культуру метала свою частичку, пускай и не революционную.
